Fondato sulla curiosità piuttosto che sulla convenzione, Agata Kurzela Studio si colloca all’intersezione tra ricerca, emozione ed esperienza spaziale. Rifiutando estetiche fisse e rigidi confini disciplinari, il lavoro dello studio si sviluppa attraverso il contesto, la narrazione e una profonda sensibilità a come gli spazi vengono percepiti emotivamente tanto quanto sono visti. Dai progetti di riuso adattivo e patrimonio moderno agli interventi contemporanei su larga scala, ogni progetto è trattato come un’indagine singolare plasmata dalla cultura, dalla materialità e dall’esperienza umana. In questa conversazione, Agata Kurzela riflette sull’evoluzione della sua pratica, sulle realtà della gestione di uno studio creativo e sull’equilibrio tra intuizione e struttura. Parla apertamente di collaborazione, narrazione e dell’importanza di progettare spazi che invitino all’interpretazione piuttosto che prescrivere un significato, offrendo una visione di una filosofia in cui l’architettura diventa non solo una costruzione fisica, ma un linguaggio emotivo e percettivo.
Cosa l’ha ispirata ad avviare il suo studio e come si è evoluta la sua visione dalla sua nascita?
Per molto tempo, l’idea di gestire il mio studio è stata sinceramente intimidatoria. Temevo che l’aspetto commerciale della pratica avrebbe sottratto tempo a ciò che per me contava di più: la capacità di pensare, esplorare e lavorare in modo creativo. Ciò che ho scoperto, invece, è che guidare uno studio cambia fondamentalmente il rapporto con il lavoro.Come fondatrice di uno studio, la responsabilità è molto chiara. Gli elogi arrivano direttamente a me, così come i feedback. Questa immediatezza crea un ciclo di apprendimento diretto in cui le decisioni possono essere valutate, affinate e messe in pratica senza diluizioni. Riformula anche lo sforzo. Quando viene investito un tempo significativo, è o al servizio della costruzione di qualcosa di significativo o diventa una chiara lezione che informa il giudizio futuro. Entrambi i risultati sono preziosi. La visione in sé non è cambiata, ma è maturata. Nel tempo, il lavoro ha acquisito chiarezza e fiducia, sostenuto da un forte senso di scopo. Altrettanto importante è stato lo sviluppo di un team di supporto: un gruppo che impara insieme, si comprende intuitivamente e continua ad evolversi. Questa crescita condivisa è fondamentale per l’esistenza dello studio.
Come descriverebbe l’identità e la filosofia del suo studio? Cosa lo rende unico nel suo campo?
I progetti su cui lavoriamo sono intenzionalmente diversi. Se c’è una qualità riconoscibile nel lavoro, deriva meno da un’estetica fissa e più da un approccio sottostante. Questo approccio è basato sulla ricerca, esplorativo e collaborativo. Siamo dichiaratamente contemporanei pur rimanendo profondamente contestuali. Il contesto, per noi, si estende oltre il sito fisico per includere dimensioni narrative, culturali, storiche e sociali. A ogni progetto è permesso di sviluppare la propria logica piuttosto che conformarsi a un linguaggio predeterminato. Un altro aspetto distintivo dello studio è la resistenza a rigidi confini disciplinari. Le distinzioni tra architettura, interior design, paesaggio, urbanistica o design di oggetti spesso sembrano artificiali, plasmate più da strutture accademiche e pacchetti contrattuali che da come lo spazio viene effettivamente vissuto. Lavoriamo fluidamente attraverso queste soglie, trattando il design come un campo continuo piuttosto che come una collezione di discipline separate.
Come bilancia il lato creativo del suo lavoro con gli aspetti pratici della gestione di uno studio?
È un equilibrio tra due modalità di pensiero molto diverse. L’aspetto commerciale della pratica è strutturato e prevedibile. Può essere organizzato, pianificato e gestito attraverso una chiara allocazione del tempo. Il lavoro creativo opera in modo diverso. È meno lineare e richiede spazio per testare, fare una pausa e rivalutare prima di raggiungere la chiarezza. Quell’imprevedibilità non è inefficienza. È da lì che provengono profondità e originalità. La chiave è strutturare il tempo in modo che l’esplorazione creativa possa avvenire senza interruzioni, pur rimanendo all’interno di chiari quadri professionali. Un buon lavoro dovrebbe concludersi quando raggiunge il giusto livello di risoluzione – perché il design è pronto, non perché il tempo ha dettato un risultato.
Può illustrarci il suo approccio quando inizia un progetto su larga scala, dal concept all’esecuzione?
I grandi progetti spesso iniziano con un’attenta lettura di informazioni sia oggettive che soggettive: esigenze del cliente, condizioni del sito, strati storici e contesto culturale. Abbiamo avuto la fortuna di lavorare su diversi progetti che coinvolgono il riuso adattivo e il patrimonio moderno, dove una base architettonica esistente ha già un valore. In questi casi, il processo inizia identificando ciò che vale la pena portare avanti e usandolo come base per il nuovo lavoro. Le fasi iniziali sono analitiche ma anche intuitive. Le idee rimangono aperte e flessibili prima di affinarsi gradualmente man mano che il progetto si sviluppa. Fin dall’inizio, l’esecuzione viene considerata insieme al concept. Materiali, tecniche di fabbricazione e realtà costruttive vengono testati precocemente e continuamente. Oltre l’aspetto visivo, ci concentriamo su come uno spazio si percepisce. Scala, proporzione, luce, texture, suono e presenza materiale modellano la risposta emotiva. Altri sensi – tatto, tattilità, persino l’olfatto – contribuiscono a un’esperienza coesa e immersiva. Quando ha successo, lo spazio comunica su più livelli, spesso in modi che vengono percepiti emotivamente piuttosto che analizzati consapevolmente.
Qual è stato il progetto più impegnativo su cui ha lavorato e come ha superato gli ostacoli?
Tutti i progetti incontrano sfide: brief mutevoli, vincoli del sito o ambizioni che superano ciò che inizialmente sembra possibile. Queste situazioni fanno parte della pratica. Ciò che li rende gestibili è il dialogo. Quando la comunicazione rimane aperta tra clienti, project manager, appaltatori, designer e collaboratori, emergono soluzioni. Le sfide spesso diventano momenti produttivi che affinano il lavoro e rafforzano il risultato finale.
Come incorpora la narrazione e l’emozione nei suoi progetti o installazioni?
Quando impieghiamo la narrazione nel nostro lavoro, è raramente letterale. L’emozione viene incorporata fin dall’inizio attraverso un ascolto attento e una profonda comprensione di ciò che il cliente sta cercando di esprimere, anche quando quell’intenzione è ancora astratta o difficile da articolare. I clienti spesso comunicano attraverso parole, riferimenti e aspirazioni. Il nostro ruolo è tradurre questi input in esperienze spaziali che permettano a quelle emozioni di essere percepite piuttosto che spiegate. Questo avviene attraverso scala, proporzione, scelte materiali, luce e sequenziamento spaziale, che insieme modellano il modo in cui uno spazio viene percepito e abitato. Piuttosto che affidarci a narrazioni esplicite, ci concentriamo sulla suggestione e sull’apertura. Questo permette allo spazio di risuonare con gli utenti in modo personale. L’obiettivo è creare ambienti che supportino l’interpretazione e la connessione emotiva senza essere prescrittivi.
Come collabora con clienti, altri artisti o team mantenendo la sua visione creativa?
La collaborazione inizia con la comprensione. Ciò significa comprendere le persone, cosa le motiva e come lavorano al meglio. Collaboratori diversi rispondono a diversi livelli di struttura, e riconoscerlo precocemente permette al processo di adattarsi piuttosto che imporsi. Invece di un approccio top-down, stabiliamo framework che lasciano spazio al contributo e all’evoluzione. Anche all’interno di progetti grandi e complessi, la flessibilità permette a nuove idee di emergere e talvolta di reindirizzare il lavoro in modi significativi. Quando la collaborazione funziona bene, i contributori si sentono parte di un’impresa condivisa piuttosto che ruoli isolati. Questo senso di autorialità collettiva rafforza sia il processo che il risultato. Costruisce anche relazioni che continuano oltre i singoli progetti e si approfondiscono nel tempo.
Ci sono artisti, designer o esperienze che hanno influenzato in modo significativo il suo lavoro recente?
Lavorare al fianco di persone con modi di pensare diversi amplia costantemente la prospettiva. Le recenti collaborazioni con una vasta gamma di designer e artisti sono state particolarmente influenti attraverso lo scambio piuttosto che l’imitazione. Il dialogo affina le idee, sfida le ipotesi e porta a risultati più maturi. L’esposizione ad altre pratiche mantiene il lavoro intellettualmente attivo e reattivo.
Quali tendenze o tecnologie emergenti è entusiasta di esplorare nei suoi progetti futuri?
Piuttosto che concentrarci su una singola tendenza o tecnologia, siamo interessati a strumenti e metodi che espandono la percezione, l’espressione creativa e la realizzazione. Mentre molta attenzione è attualmente posta sull’intelligenza artificiale, essa rappresenta solo una parte di un più ampio panorama tecnologico. Il nostro interesse risiede nell’impegnarsi criticamente con strumenti – digitali o analogici – che supportano in modo significativo il design, la fabbricazione e l’esplorazione spaziale. Rimanere curiosi e adattabili è più prezioso che impegnarsi in modo troppo rigido in una sola direzione.
Se potesse intraprendere un progetto da sogno senza limitazioni, quale sarebbe e perché?
Le limitazioni sono spesso produttive, ma un progetto ideale permetterebbe la creazione di qualcosa di spazialmente nuovo, possibilmente in dialogo con la natura.
I progetti legati alla cultura – arti visive, performance, rituali collettivi – sono particolarmente affascinanti, così come le esplorazioni puramente artistiche che spingono i confini dell’artigianato e della fabbricazione. A un livello più aspirazionale, gli spazi per il culto e la trascendenza rimangono profondamente interessanti. Lavorare con l’architettura come linguaggio poetico ed emotivo capace di coinvolgere l’intangibile sarebbe profondamente significativo.
